Изложба на архитектурни графики „Само Италия!“Е отворена за обществеността в Инженерната сграда на Третяковската галерия. Половината от експозицията е съставена от неща от колекцията на фондация "Сергей Чобан", половината - рисунки от Държавната галерия "Третяков" и още някои - от работата на четирима съвременни художници-архитекти: Максим Атаянц, Сергей Кузнецов, Михаил Филипов и Сергей Чобан.
Изложбата е абсолютно невероятна по много причини. На първо място, висококачествената архитектурна графика е материал, който разполага със себе си. Разглеждането му от лист на лист, подробното разглеждане на къдриците, сенките, персонала, поръчката е перфектно удоволствие.
От друга страна, не може да се каже, че в Третяковската галерия често се показват архитекти. Там почти никога не се показват. И тук - експозицията обедини не само неща от складовете на галерията, тези, които имат малък шанс да бъдат показани по друго време, с листове от колекцията на фонда Tchoban, съхранявани в Берлин. В центъра на всичко, подобно на короната на творението, са рисунките на съвременните архитекти.
Дизайнът на експозицията е на бюрото SPEECH и Сергей Чобан, който е подредил творбите на своите съвременници (включително неговите) в малка зала на ротонда; в галерията около него са изложени графики на 20-ти век; отдалеч, в още две правоъгълни пространства, са изложени листове от 18 - 19 век, разделени на два блока: „Раждането на тема“и „Россика“(творби на чужденци в Русия). Така хронологията се разминава в кръгове в пространството на експозицията или, по-точно, се сближава от миналото към настоящето: нещо като кръгове върху водата, само че обратното.
Трябва да се отбележи, че SPEECH доста последователно развива мотива на кръглата зала в работата си с изложбен дизайн: достатъчно е да си припомним изложбата "Музей на графиката" в ArchMoscow през 2013 г. (когато Берлинският графичен музей все още не беше отворен), или два дизайна на експозицията на руския павилион на венецианското биенале на архитектурата: живописна диорама на град Вишни Волочок през 2010 г. и „Пантеон“от QR кодове 2012, наскоро
пресъздаден в Зарядие. Кръглите зали са доста редки при проектирането на съвременни изложби - пространството на ротондата не е много удобно за излагане, тъй като има тенденция да затрупва експонатите и да изглежда по-важно и ценно само по себе си. Това е храм, а не музей, място за концентрация или дори служба.
Това качество на кръга се подчертава и използва при окачването. Графиките на новото време са изложени в съответствие с всички правила на музейното експониране и с надлежно уважение. В ротандалното пространство отляво графичният лист престава да бъде самоценен, превръщайки се в подчинена част от пространствения сюжет. Листовете на Атаянц, Кузнецов, Филипов, Чобан са окачени на два реда, без да се обръща внимание на всяка отделна творба като музейна ценност (графиките на 20-ти век в кръговата галерия служат за преход, самото въртене вече премахва музея строгост).
Значението на твърдението е достатъчно ясно. Съвременната графика тук не е изложба, а по-скоро декларация за самия факт на нейното съществуване - мисията да продължи и съживи традицията на класическия рисунък. Той е част от въображаем храм на изкуствата, докато историческата колекция е нещо като нейната ризница, хранилище на ценни образци.
Характерно е, че пластичното изявление на интериора, което толкова тънко интерпретира съдържанието на изложбата, остава в рамките на езика на класиците. Напълно без поръчка, но детайлите и пространствените преживявания се добавят към кръглата зала от действителните графични листове. Те са неговата ефимерна архитектура. Да разгледаме например кръглата страна на Пантеона, съчленена от спретнато начертан цокъл от разтоварващи арки: „Пантеонът в пантеона“продължава стартираната игра по-нататък, вече във въображаемо пространство зад равнината на графичния лист.
Към казаното остава да се добави, че изложбата, започвайки от „основателите“от 18-ти век, допълнително изследва специфично руската традиция на възхищение от Италия и по-близо до 21-ви се оказва, че тази традиция е придобила тук някои напълно специални черти, не лишени от нотка на възхищение и в добрия смисъл на мания, която е така фино уловена от храмовата форма на залата. Никой не изповядва проучвания на антики толкова искрено, колкото Максим Атаянц; никой не мисли, че архитектурата му е родена от акварелен пейзаж, като Михаил Филипов; никой не е толкова отдаден на присъщата стойност на жанра на архитектурната графика, както Сергей Чобан, създал музея му, и Сергей Кузнецов, който постоянно отива на открито. Заедно резултатът е разнороден, но със сигурност уникален феномен.
Говорихме с четирите изложители на Съвременната салон.
Сергей Чобан Archi.ru:
Това наистина ли е най-голямата изложба на архитектурни рисунки, направени с участието на вашата фондация в момента?
Сергей Чобан:
- Мисля, че да. Както по броя на представените творби, така и по обхванатия период, това е най-голямото шоу. Тук са произведенията на изключителни западноевропейски автори, основатели на школата за архитектурно рисуване от 18-ти век, както и огромен брой графики на изключителни руски художници и архитекти, които активно са работили в този контекст.
Изложбите на архитектурни графики, организирани от вашата фондация, вече се оформят в определена последователност. Има ли общ план, вектор на развитие или сюжетът се преизмисля всеки път?
S. Ch.: Като цяло, всеки път, когато се измисля наново, въпреки че имаме определени принципи. По-специално се стремим да работим с видни музейни институции. Един от следващите ни проекти ще бъде съвместен с Албертина от Виена. Д-р Шрьодер [директор на музея Албертина във Виена - Archi.ru] беше в залите на нашия музей в Берлин и изрази желание да направи съвместен проект - ние сме много щастливи от това и се гордеем с това предложение. Има и други проекти.
Има планове за работа с Архитектурния музей на Щусев, мисля, че това е много важно.
Вие сте колекционер, график, дизайнер, архитект - как това е свързано помежду си?
S. Ch.: Струва ми се, че това са различни връзки от една и съща професия. В исторически контекст архитектите също са били художници; те се занимаваха не само с капитални сгради, но и със сценичен дизайн, театрални представления.
До 20 век архитектите не са имали фотография …
S. Ch.: Мисля, че фотографията няма същите цели като архитектурното рисуване. Рисунката улавя най-важната част от човешкото творчество - архитектурата, която човек създава в природното пространство.
Междувременно Максим Атаянц и Михаил Филипов се занимават с класическа архитектура, но вие не
S. Ch.: Разбира се, че това не е пряко свързано с архитектурата, която правим. Струва ми се, че изучаването на архитектурата чрез рисуване може да доведе до съвсем различни резултати: това е изследване на пропорциите и пространствените ефекти, тъканта и детайлите. Не напразно днес не само в руските, но и в много европейски училища отново се обръща много внимание на рисуването, защото само чрез рисуване можете да видите как материалите от различни конструкции се комбинират помежду си, как плат от най-малките детайли се влива един в друг.
Вашите рисунки на изложби винаги са много завършени творби, рисувани от природата. Защо не покажете скици?
S. Ch.: Първо, темата на тази изложба е съвсем определена, тя не предполага нищо друго. И второ, самите рисунки трябва да имат независимо качество. Скиците не винаги имат това качество.
Расте ли вашата картина повече от вашата колекция или от вашата архитектура?
S. Ch.: Мисля, че колекцията все пак е израснала от рисуване. И много от архитектурата, която правя, произтича от рисуването. Просто не расте направо. Няма такова нещо, което да нарисувате сграда от древния период и след това да проектирате нещо подобно. След това проектирате нещо друго, защото законите на космическото развитие са различни.
*** Успяхме да зададем на трима други участници в изложбата същия, в случая важен въпрос: дали графиките им се различават от историческата и ако да, как.
Максим Атаянц
С какво графиките ви се различават от историческите, представени тук на изложбата?
М. А.: Тук графиките са толкова различни … Имам чувството, че четиримата съвременни изложители се различават помежду си почти толкова, колкото и тези, които висят в други зали на тази изложба.
Епохите са различни. Съвременната графика не можеше да не бъде повлияна от колосалната визуална излишност на модерността. През последните две години в света са направени повече снимки, отколкото в цялата предишна история след първия дагеротип. Натискът на визуалната излишък ни принуждава да се отнасяме по различен начин към рисунката и да извадим нещо оттам, което не е, да речем, във фотографията. Аз съм доста професионален фотограф, така че е важно за мен да сравня тези неща. Но се страхувам умишлено да разсъждавам по тази тема, защото задачата на рисуването и фотографията е една и съща … Бих искал по някакъв начин да изразя радостта и вълнението си при срещата с тези сгради. Вероятно Quarenghi е решил същите проблеми. И резултатът е различен, защото ерата е различна. Как иначе да отговоря на това?
Защо не само снимате, но и рисувате?
М. А.: Но на това мога лесно да отговоря. Защото са включени различни механизми. Рисуването е начин на учене, единственият вид човешка дейност, при която мозъкът, окото и ръката участват едновременно с еднаква интензивност. Невъзможно е да прекарате един час замислено и концентрирано в разглеждане на някаква архитектурна част, ако не рисувате. Това е начин на учене.
Правим снимки, които да споделят други, и рисуваме за себе си. За асимилация. В моя случай поне.
Рисували ли сте някога от снимка?
М. А.: Разбира се, като всеки идиот, който учи в Художествената академия, черпях от фотографията през нощта, когато например нямах време да попълня курсовата си работа. Тогава ми се стори, че е по-лесно. Сега се опитвам да не правя това, защото това е безсмислена имитация на процеса. Според мен смисълът на рисуването е да се черпи от живота.
Когато рисувам, разбирайки нещо, тогава този процес е дълбок. Защо да го опростявате, докато се опитвате да получите същия резултат евтино? Или външно изглеждащи по същия начин. В случаите, когато не сте имали време да завършите на място, понякога, разбира се, надничате на снимката … Но това е второстепенно. Удивително е, че сега ми е много по-трудно и по-дълго да рисувам от снимка, отколкото от природата. Вярно е.
Сергей Кузнецов
С какво графиките ви се различават от историческите, представени тук на изложбата?
S. K.: Смирено бих казал, че не можем да направим това. Възхитен съм от творбите на Максим Атаянц, който намери ресурс в себе си, успя да се потопи и да достигне до различна степен на детайлност - ясно е, че трудното не означава добро, а просто не означава лошо - но въпреки това, какви висоти са достигнали старите майстори, и в търпението, и в упоритата работа, и в окото - това е невероятно. Трябва да се научим … Все още гледам със завист на графиките, представени тук; овладяването на такова умение, разбира се, би било чудесно.
Означава ли рисуването на класическа архитектура стремеж към изграждане на класическа архитектура?
S. K.: Не, изобщо не означава. Рисуването на класическа архитектура не трябва да се свързва с дизайна на класическата архитектура, както четенето на „Тримата мускетари“не означава, че сте готови да размахнете меча утре.
Как тогава архитектурата и живописта са свързани лично с вас?
S. K.: В този смисъл аз съм човек от старата школа, ценя елементарни умения. Струва ми се, че начинът, по който се прави архитектурата, не се е променил и не трябва да се променя: човек трябва да предава мисли, усещания, чувства през себе си - компютър няма да позволи да изрази всичко. Дълбоко и сериозно обичах компютърната графика, имах много публикации и изложби, това ми дава възможност да сравнявам работата с ръце и очи - и работа с компютър. Когато имате контрол над ръката си и можете да изобразите това, което е в главата ви, със собствените си ръце, това ви помага лично и освен това работи добре като инструмент за убеждаване.
Защо не покажете скица графики?
S. K.: В този случай не би било подходящо … Това не е съзнателна позиция; ще има предложения - ще изложим. Най-общо казано, това не е вярно, ние го излагаме - на изложбата на "архитекта на годината" в Arch Moscow имахме скица. Имаме много скици с добро качество. Почеркът, според мен, просто няма да представлява интерес за публиката. Като цяло бих казал, че интересът на публиката към която и да е творба е пряко пропорционален на количеството труд, вложен в нея.
Как започнахте да рисувате историческа архитектура?
S. K.: Започнах да рисувам много преди да постъпя в колеж. Родителите ми по никакъв начин не бяха свързани нито с изкуството, нито с архитектурата, но бях увлечен от разнообразие от творчество, създаване на прототипи, рисуване и затова попаднах на подготвителни курсове в Московския архитектурен институт. Оттогава не съм спирал да рисувам; макар че след института имаше пауза, когато вече не се занимавах с ръчно, а с компютърна графика.
По-късно, като започнах да работя със Сергей Чобан, някъде около 2006 г., му предложих да пътува до различни градове, да рисува архитектура. Оттогава редовно пътуваме няколко пъти в годината, за да рисуваме архитектура. Първото ни пътуване на открито в Рим беше например по стъпките на Пиранези.
Михаил Филипов
С какво графиките ви се различават от историческите, представени тук на изложбата?
M. F.: Не мога да отговоря на такъв въпрос. Мога да ви кажа как архитектурните графики се различават от архитектурния пейзаж. От 30 години съм член на Съюза на художниците и съм излагал като художник на много места, включително Третяковската галерия и Руския музей. За мен този въпрос е абсолютно ясен. Архитектурният пейзаж, с който са се занимавали нашите предци, е преди всичко висококачествен рисунък и организация на листа с артистичен подход. За съжаление повечето архитекти рисуват любимия си обект като малка перспектива, а не като пейзаж.
По съветско време дори работех по договорите на Художествената академия като чист пейзажист. По време на перестройката там на власт дойдоха серовците - повечето от тях са добри художници, реалисти, Грицай, Решетников, Налбандян … Силни технически графики също бяха там.
Останалата част от съветската графика се развива в посока на модернистичната организация на листа: например, ако водата е лека, тогава тя е написана напълно бяла и т.н. Когато започнах да пиша, мислех повече за нюанси, междинни тонове; нюанси на бяла нощ, качество на рисуване, тънкости на перспективата … Това ме направи доста уникален по онова време, тези стари хора ме обичаха много. Работих по договори, дойдох и ги показах, те направиха някои коментари - имаше чувството, че майсторите ме следят.
Така че не усещам голяма разлика със старите майстори. Ако не са направили технически чертеж, а пейзаж. Подходът към пейзажа беше като художник. Архитектурният факултет на Художествената академия по едно време наемаше тези, които рисуват по-добре, а картината - тези, които рисуват по-лошо. И дадоха диплома под името „художник на архитектурата“- това беше формулирано до някаква, не помня точно, година. Не усещам никаква разлика с тях, особено що се отнася до произведения от началото на века. Бях възпитан върху творбите на Остроумова-Лебедева.
Въпреки че за мен е интересен още един нюанс - бялата нощ. Руският пейзаж беше нюансиран в междинните държави. Например Василиев - размразяване, без зима, без пролет, без светлина, без тъмнина, полутон, слънчев лъч … Няма да намерите висококачествени пейзажи в световната живопис, в които би имало ярко синьо небе и ярка зеленина! Може би Рилов може да има нещо подобно или Сезан, но това вече е различно.
Оказва се, че имате две теми: вашият архитектурен пейзаж и вашата архитектура …
M. F.: Не! Няма разлика. Красивата архитектура трябва да бъде свързана с природата, със слънцето. Знам и обичам много добре историята на изкуството. През 80-те години за мен беше интересно да продължа съкратеното през двадесетте, когато рисуването някак започна да се превръща в - може би много качествено - но модернизъм.
Смятате ли, че е реално да растете заедно?
M. F.: Да, това е абсолютна реалност. През януари тази година го предадох - горите бяха премахнати от 750 хиляди квадратни метра жилищни сгради.
В Сочи?
M. F.: Не само в Сочи, в Москва има къща на улица „Маршал Рибалко“. Уверявам ви, това е въплъщение на стила от 2001 г., който измислих преди тридесет години.
Чувствате ли това като въплъщение на вашата картина?
M. F.: Да, да … Не виждам разликата.
Вярвате или не, аз завърших Академията, измислих концепция и след това за първи път взех четка и акварел. Не съм писал в Академията или в художественото училище. И ако съм писал, е невъзможно да погледна какво съм правил тогава.
*** изложбата е отворена до 27 юли (работно време)
